Искусство Двуречья.
В 6—5 тысячелетиях до н.э. в Северном и Южном Двуречье существовало племенное общество. Культура и искусство Двуречья этой ранней эпохи прошли путь развития, который условно определяется следующими наименованиями. Период Халаф (Телль-Халаф), датируемый концом 6—5 тысячелетиями до н.э. За ним следует период Убайд — 4000—3500 гг. до н.э. Наступивший затем период Урук охватывает время с 3500 по 3000 г. до н.э. Завершающим является период Джемдет-Наср с 3000 до 2850 г. до н.э. С конца 4 тысячелетия до н.э. в болотистом Южном Двуречье, очевидно, уже жили шумерийцы, которые постепенно ассимилировали существовавшие здесь ранее племена Шумерийцам приходилось вести постоянную борьбу за существование. На протяжении всего 4 тысячелетия до н.э., они были вынуждены отвоевывать у болот земли, удобные для занятия сельским хозяйством. Постепенно шумерийцы научились сооружать для осушения почвы дренажные каналы. Осваивая более высоко лежащие участки, они создавали систему оросительных каналов. В результате, даже при очень примитивных формах земледелия естественное плодородие почвы, нанесенной мощным течением Евфрата и Тигра, позволяло получать излишки сельскохозяйственных продуктов. На основе присвоения главами родовых общин значительной доли материальных благ происходило постепенное имущественное расслоение шумерийского общества. В конце 4 — начале 3 тысячелетия до н.э. сельское хозяйство отделилось от ремесла и началось применений рабского труда. К этому времени наиболее крупные и богатые поселения уже превратились в города. Вся власть в них, экономическая, общественная и религиозная, сосредоточилась в руках правителей из числа родовой знати. Свое главенствующее положение они защищали с помощью дружин, состоявших из жителей городов. Однако в эту пору в первых городах-государствах Шумера еще сохраняли значение, (как в сельских общинах), советы старейшин и народные собрания. Вследствие того, что в Двуречье отсутствовали строительный камень и лес, в течение 4 тысячелетия до н.э. складывались формы архитектуры из сырцового кирпича. Постепенно вырабатывались планы, характер оформления фасадов, конструкции перекрытий, сначала жилищ, а позднее гражданских построек, дворцов и храмов. Периодические разливы Евфрата и Тигра, часто катастрофические, заставляли выбирать для поселений возвышенные места. Затем из века в век новое строительство осуществляли на утрамбованных руинах старых построек. нтральной части древнейших городов были построены первые небольшие храмы из сырцового кирпича с прихрамовыми хозяйственными помещениями. Храм возвышался над окружавшими домами благодаря тому, что был сооружен за высокой платформе, защищавшей его от почвенной влаги. Для подъема на платформу служили лестницы, или пандусы. Прямоугольное здание самого храма располагалось не посредине платформы, а ближе к одному из ее краев. Планировка самого храма была основана на распределении помещений вокруг центрального зала или двора Стены храма снаружи и внутри, а также боковые стороны платформы членили невысокие прямоугольные в плане выступы — лопатки. Это было средство для укрепления сырцовой кладки и одновременно ее декорации. Расписная керамика. Памятники искусства периода Халаф были найдены в могилах поселений Северного Двуречья — Халаф (Телль-Халаф), Телль-Арпачийя. Хассуна Самарра и других. Здесь открыто много расписной многоцветной керамики — бокалов, чаш. блюд, сделанных без помоши гончарного круга, который появился только в конце 4 тысячелетия до н.э. уже у шумерийцев. Сосуды обожжены и имеют тонкую по цвету коричневато-красную, бледно-розовую, желтоватую или желто-зеленую окраску. Схематичные, тонко прорисованные черным, коричневым, красным или желтым, фигуры птиц, рыб, женщин. скорпионов (несомненно, связанные с магическими представлениями, погребальными обрядами) размещены крестообразно — вокруг розетки или свастики — так. что создается ощущение бесконечного их вращения, «полета» по кругу.
Искусство древней Греции
Искусство Древней Греции, сыгравшее важнейшую роль в развитии культуры и искусства человечества, было определено общественным и историческим развитием Греции, глубоко отличным от развития стран и народов Древнего Востока. В Греции, несмотря на наличие рабства, огромную роль играл свободный труд ремесленников, — до тех пор, пока развитие рабовладения не оказало на него своего разрушительного действия. В Греции сложились в рамках рабовладельческого общества первые в истории принципы демократии, давшие возможность развиться смелым и глубоким идеям, утверждавшим красоту и значительность человека.
Греческие племена, перейдя от первобытно-общинного строя к классовому обществу, создали небывалую по своему богатству и многогранности культуру, изобразительное искусство и архитектуру.
В Древней Греции сложилось искусство, проникнутое верой в красоту и величие свободного человека — гражданина полиса. Произведения греческого искусства поражали последующие поколения глубоким реализмом, гармоническим совершенством, духом героического жизнеутверждения и уважения к достоинству человека.
Архаика.
Греческое искусство родилось в слиянии трех очень различных культурных потоков: эгейского, дорийского, восточного.
Однако одного слияния этих трех потоков не было бы достаточно для появления подлинно нового и великого искусства.
От тех периодов, которые историки называют гомеровским (современным созданию гомеровских поэм) и раннеархаическим (от греческого слова «архайос» — древний), до нас дошла расписная керамика со строгим геометрическим орнаментом. Вначале это всего лишь простые линии и концентричные круги, ритмично опоясывающие тулово вазы, позднее .— более разнообразные мотивы с изображениями людей и животных, опять же построенные из простейших геометрических форм.
Вот, например, надгробный кратер из Дипилона ( VIII в. дo н. э. Нью-Йорк, Метрополитен-музей), на котором изображены похоронное шествие и конское ристалище. Размеренность и линеарная схематизация. Стройное чередование увенчанных треугольниками тонких, чуть изогнутых вертикалей, к которым сведены человеческие фигуры. Ясность и простота композиции и в то же время какая законченная, остро-изощренная декоративность!
Полностью идеал этого искусства начал проявляться позднее, на новом этапе развития древнегреческого общества.
Раз древний грек воспринимал природу не в ее неразгаданных тайнах, а в ее видимой объективной реальности, его искусство должно было стать реалистическим.
Художественное творчество'Эллады впервые в истории мира утвердило реализм как абсолютную норму искусства. Но не реализм в точном копировании природы, а в завершении того, что не могла или не успела свершить природа. Итак, следуя предначертатаиям природы, искусству надлежало стремиться к тому совершенству, на которое она лишь намекнула, но которого сама не достигла.
Мы уже сказали об этом: боги Олимпа — Зевсы, Афродиты, Афины — кто они, как не люди, ставшие еще прекраснее, доблестнее и обретшие в своем человеческом совершенстве бессмертие?
Человек — венец природы. И потому вслед за мифотворчеством искусство должно изображать человека, наделенного той доблестью и той красотой, что надлежит ему в себе выявить.
В конце VII—начале VI в. до н. э. в греческом искусстве происходит знаменательный сдвиг. В вазовой росписи человеку начинают уделять основное внимание, и его образ приобретает все более реальные черты. Бессюжетный орнамент теряет свое былое значение. Одновременно — и это событие огромной важности — появляется монументальная скульптура, главная тема которой опять-таки человек.
Цель искусства — создание красоты, которая равнозначна. добру, равнозначна духовному и физическому совершенству человека. И если говорить о воспитательном значении искусства, то оно возрастает при этом неизмеримо. Ибо творимая искусством идеальная красота рождает в человеке благородное стремление к самоусовершенствованию.
Духовное единство греческого мира особенно ярко сказывается в искусстве.
Первые из дошедших до нас греческих скульптур еще явно отражают влияние Египта, фронтальность и вначале робкое преодоление скованности движений — выставленной вперед левой ногой или рукой, приложенной к груди. Эти каменные изваяния, чаще всего из мрамора, которым так богата Эллада, обладают неизъяснимой прелестью.
Кого же изображают архаические статуи?
Это обнаженные юноши (куросы), атлеты, победители в состязаниях. Благотворное взаимодействие физической культуры и искусства! Можно сказать без преувеличения, что скульптура Эллады родилась на стадионе. Постоянные, часто общегреческие состязания развивали у юношей силу мускулов, ловкость движений. Художник вдохновлялся красотой хорошо тренированного, упругого тела, а прекрасные статуи воодушевляли юношей на тренировку, давая им образец вожделенного физического совершенства.
Это коры — юные женщины в хитонах или плащах. Как правило, греческие женщины не участвовали тогда в спортивных состязаниях, так что красота обнаженного женского тела не сразу засияла в искусстве.
Знаменательная черта: уже на заре греческого искусства скульптурные изображения богов отличаются, да и то не всегда, от изображений человека только эмблемами. Так что в той же статуе юноши мы подчас склонны признать то просто атлета, то самого Феба — Аполлона, бога света и искусств.
Улыбка озаряет лица всех этих архаических куросов. Улыбка, обращенная статуей к зрителю, к внешнему миру или к внутреннему, своему сокровенному? Улыбка застывшая, не совсем естественная. Так что черты куроса или коры не создают впечатления подлинно живого человеческого лица. Да это еще и не лица, а лики, как в древнем Шумере.
Отход от традиционной фронтальности изображения, от условности позы, от показа в живописи или рельефе туловища в фас при лице в профиль следует признать прогрессом на избранном им пути, прогрессом в овладении новым изобразительным методом, обусловленным новым содержанием искусства. Однако и тут напрашивается оговорка. Греческая скульптура достигнет в следующем веке (V до н. э.) непревзойденного совершенства, и все трудности будут преодолены.
Уже в архаическую пору греческий художник ставил себе целью не стилизацию образа, не выражение в символах каких-то верований или представлений, а выявление видимой, земной красоты.
Что же ему надлежало усвоить и что передать?
Все, что необходимо искусству для зрительно-правдивого изображения человеческой красоты, в которой заложена вся красота мира: объемность в пространстве, т. е. трехмерность;точность пропорций; раскрепощенность образа, естественность и живость движений.
...Итак, ранние архаические статуи еще отражают каноны, выработанные в Египте или в Месопотамии.
Фронтален и невозмутим высокий курос, или Аполлон, изваянный около 600 г. до н. э. (Нью-Йорк, Метрополитен-музей). Лик его обрамлен длинными волосами, хитро сплетенными «в клетку», наподобие жесткого парика, и, кажется нам, он вытянулся перед ним напоказ, щеголяя чрезмерной шириной угловатых плеч, прямолинейной неподвижностью рук и гладкой узостью бедер.
И все же это не Египет. Полная обнаженность тела, в котором весь смысл, вся внутренняя оправданность изваяния, вся его значительность говорят о новом художественном идеале, которого не ведал Восток.
И вот что еще выделяет искусство Эллады на открытом им пути: поразительная быстрота совершенствования методов изображения вместе с коренным изменением самого стиля искусства. Не так, как в Вавилонии, и уж совсем не так, как в Египте, где стиль оставался незыблемым в течение тысячелетий.
Середина VI в. до н. э. Всего лишь несколько десятилетий отделяет «Аполлона Тенейского» (Мюнхен, Глиптотека) от ранее .упомянутых статуй. Но сколь живее и сколь изящнее фигура этого юноши, уже озаренного красотой! Он еще не двинулся с места, но весь уже приготовился к движению. Контур бедер и плеч мягче, размереннее, а улыбка его, пожалуй, самая сияющая, простодушно ликующая в архаике.
Голова «Рампен» (Париж, Лувр), названная так по имени ее первого владельца (в Афинском музее хранится найденный отдельно безголовый мраморный бюст, к которому как будто подходит луврская голова). Это образ победителя в состязании, о чем свидетельствует венок. Улыбка чуть натянутая, но игривая. Очень тщательно и изящно проработанная прическа. Но главное в этом образе — легкий поворот головы: это уже нарушение фронтальности, раскрепощение в движении, робкое предвестье подлинной свободы.
Упорное совершенствование в реализме —вот что, пожалуй, наиболее характерно для развития всего греческого искусства этой поры. Его глубокое духовное единство перемалывало стилистические особенности, свойственные различным областям Греции.
Не отражаясь на общей направленности греческого искусства, такие вариации прекрасного качественно обогащали общегреческий художественный идеал.
Стилистические особенности, выражающие различные оттенки этого идеала, присущи архаической скульптуре, но они более явственны в знаменитых памятниках великой греческой архитектуры, увы, дошедших до нас в полуразрушенном виде. Стили, родившиеся в Элладе, живы и по сей день.
В отличие от критской, дворцовой, архитектура греческая была, в первую очередь, храмовой. Но греческие храмы имели с самого начала совершенно особое назначение. В них не собирались молящиеся, ибо культовые церемонии совершались перед жертвенником под открытым небом. Греческий храм служил исключительно помещением для статуи божества. Не священное «жилище» самого божества, подобно верхней башне вавилонского зиккурата, а его величественного изваяния в образе прекраснейшего мужа или жены. Так что храм являлся как бы вместилищем, архитектурным обрамлением вящей красоты, той, скажем снова, что не сумела создать сама природа, предоставив это дело человеку.
Сколь же прекрасным надлежало быть этому сооружению, в котором пребывало совершеннейшее творение искусства: образ бога, воспроизводящий человеческие черты и как бы сливающийся в сознании с образом обожествленного человека...
Греческий храм возник из микенского мегарона. Статуя божества помещалась в святилище — целле, архитектурно соответствующей залу царского мегарона, где стоял очаг. Свет проникал в целлу только через дверь, так что в ней царил полумрак, создававший особо торжественное настроение. Но, в общем, мы почти ничего не знаем о целлах, так как от них сохранились, в лучшем случае, бесформенные руины.
Уже в архаическую пору в греческой архитектуре ясно выявились два стиля, или, как принято говорить, ордера: дорический и ионический. Ордер (что значит строй, порядок) определяет структуру колонн и покоящейся на них верхней части здания с покрытием.
Прекрасен греческий стих, прекрасна греческая статуя, прекрасна греческая колонна. «Застывшая музыка»(Это определение принадлежит немецкому философу Шеллингу. Греческая колонна — это застывшая симфония четких и полногласных авуков удивительной чистоты и выразительности, это абсолютная законченность частного и целого, это гордое утверждение некоего идеального порядка, к которому извечно стремится человеческий гений.
Роль колонны в греческом зодчестве была великой и многообразной.
Как и сама природа Эллады, греческое искусство было ярким и многокрасочным. Светлое и радостное, оно празднично сияло на солнце в разнообразии своих цветовых сочетаний, перекликающихся с золотом солнца, пурпуром заката, синевой теплого моря и зеленью окрестных холмов.
Архитектурные детали и скульптурные украшения храма были ярко раскрашены, что придавало всему зданию нарядно-праздничный вид. Богатая раскраска усиливала реализм и выразительность изображений-хотя, как мы знаем, цвета подбирались не в точном соответствии с действительностью,- манила и веселила взор делала образ еще более ясным, понятным и близким И вот эту окраску утратила полностью чуть ли не вся дошедшая до нас античная мраморная скульптура.
Но и бронзовые изваяния, особенно редкие, ибо подавляюшее их большинство было впоследствии переплавлено, не дошли до нас первоначальном виде. Сказалось окисление металла.
Цвет в греческой пластике ясно указывает на связь ее с живописью. Да, уже то, что греческое искусство стремилось передать красоту видимого мира не только сочетанием идеальных форм и пропорций, но и цветом, говорит о том, что живописи принадлежало определенное место в этом искусстве... Дошедшие до нас письменные свидетельства вполне категоричны: живопись почиталась в Элладе наравне со скульптурой, так что лучшие живописцы пользовались такой же славой, как и лучшие ваятели.
Монументальная живопись процветала в Элладе уже в VII в. Отблеском ее являются разве что три большие метопы, украшенные росписью, а не рельефами, с изображениями мифологических сцен (Афины, Национальный музей). Это еще весьма наивные композиции, подчас исполненные, однако, подлинного динамизма и, вероятно, хорошо вписывавшиеся в архитектурную композицию памятника.
Но самым ярким отблеском греческой живописи той поры служит ныне греческая керамика, дошедшая до нас в многочисленных, хорошо сохранившихся и нередко превосходнейших образцах. Вазописцы, несомненно, вдохновлялись станковой и монументальной живописью, и потому их собственные достижения для нас особенно показательны.
В VII — начале VI в. до н. э. бессюжетный геометрический орнамент уступает место изображению человеческих фигур. Это знаменует новый период в развитии греческой вазописи.
Греческие сосуды были очень разнообразны по форвде;овальные амфоры с узкой шейкой и двумя ручками — для хранения вина, зерна, растительного масла и меда; объемистые кратеры с широким горлом — для вина, смешанного с водой, обычного напитка греков; изящные гидрии — кувшины для ношения воды с двумя горизонтальными ручками, чтобы поднимать на голову, и третьей, вертикальной, чтобы снимать с головы; плоские с подставкой и двумя ручками килики — чаши для питья; высокие, удлиненные лекифы — для душистого масла и духов и еще многие другие кувшины и чаши.
Все они отличаются удивительной стройностью, форма каждого сосуда строго соответствует его назначению.
Искусство вазописи быстро совершенствуется в позднюю архаическую эпоху. Чернофигурные вазы характерны для первых трех четвертей VI в., и в их изготовлении первое место занимает Аттика с ее столицей Афинами.
Чернофигурная роспись сугубо декоративна. Рисунок наводится на глиняный желтый, розовый или оранжевый фон сосуда. В основе рисунка — силуэт, так что фигура дается не объемно (часто с головой в профиль, грудью в фас и ногами в профиль). Детали прорабатываются резцом, подобно гравировке по металлу. Тело женских фигур окрашивается в белый цвет. Вся неразрисованная часть вазы покрывается лаком, который придает ей металлический блеск.
Но вот проходят всего три-четыре десятилетия — и перед нами уже иное искусство. Амфора, на которой изображены гомеровские герои Ахиллес и Аякс, играющие в кости (Рим, Ватикан). Роспись исполнена Эксекием, крупнейшим аттическим вазописцем третьей четверти VI в. до н. э.
Фигуры не трехмерны, не вольны в своих движениях.. Но эти остролицые, остробородые греческие воины, эти силуэтно выписанные копьеносцы, отдыхающие от кровавых потех, выразительны сами по себе, а не только как часть композиции. Декоративность вазы подлинно совершенна, но роспись ее уже не узор, а картина. Разрыв с геометрией? Нет, конечно, ибо греческое изобразительное искусство никогда не нарушит точности математического расчета. Это картина, идеально вписанная в сферическую поверхность амфоры, идеально гармонирующая с ее чудесной формой. Ведь ее композиция неразрывно сливается с контуром вазы, ручки которой перекликаются в едином ритме с наклоненными фигурами, между тем копья играющих воинов образуют вокруг их голов треугольник, точно обозначающий композиционный центр и картины. и всего декоративного облика вазы.
В конце VI в. в вазописи наступает коренной перелом:чернофигурную роспись сменяет более совершенная — краснофигурная. Сами фигуры оставляются в теплом цвете глины, а фон покрывается блестящим черным лаком. Детали уже не процарапываются, а обозначаются тонкими черными линиями, более мелкие — едва заметными бледно-желтыми штрихами. Это позволит в дальнейшем располагать фигуры в пространстве объемнее, более изощренным рисунком «вырывать» их из плоскости, прорабатывать их мускулатуру, передавать тонкие складки одежды, кайму, волнистые локоны.
Греческое искусство конца VI и начала V в. до н. э. остается, по существу, архаическим.
Подъём экономической и политической жизни Греции в V веке до н.э. сопровождался расцветом культуры, центром которой стали Афины, чему в немалой степени способствовал демократический строй, создавший благоприятную почву для её развития. В мировоззрении греков наметился перелом, ведущий художников к новым формам в искусстве и качественно новому периоду в осмыслении мира - классике.
9.Ранняя классика. Строгий стиль.
Во время греко-персидских войн начался первый этап развития классического искусства - ранняя, или строгая классика, - продолжавшаяся всю первую треть V века до н.э.
Искусство этого времени пронизано напряжёнными поисками реалистического изображения человека, обобщающих типических образов и правдивой передачи движения. Нарастает стремление к гармоничной соразмерности частей художественного произведения, почитавшейся за его основное достоинство. Искусство обращается к сценам реальной жизни, решает задачу построения групповых композиций и проблему синтеза скульптуры и архитектуры.
В архитектуре ранней классики наибольшее распространение получают храмы дорического ордера, соответствующие духу гражданственности, героике полиса. Художественные произведения первой половины V века до н.э. чётки, энергичны и напряжённы. Прославленным сооружением этого периода был храм Зевса в Олимпии.
В первые десятилетия V века до н.э. греческое искусство развивается в борьбе с пережитками старого, архаического стиля, уже не отвечавшего новым требованиям. Мифологическая тема продолжает занимать ведущее место в искусстве, но фантастическая сторона мифа отходит на второй план. В мифологических образах прежде всего раскрывается идеал силы и красоты реального человека, причём красоты не только внешней, но и внутренней. Впервые человек выступает не как одна из составных частей космоса, равная всем прочим, а как божественный хозяин и господин природы, прежде всего своей собственной, т.е. своих чувств и желаний.
Один из самых пленительных образов в мировом искусстве - всемирно известный "Возничий". Молодой победитель в беге на колесницах стоит во весь рост, держа в руках конскую упряжь. Он подобен колонне, принявшей человеческий облик. Прямолинейность фигуры несколько архаичная, но всё в ней являет образ совершенства, образ прекрасного человека вообще, без индивидуальных особенностей.
От последних отзвуков архаической условности освободился в своём творчестве скульптор Мирон. Его бронзовая статуя "Дискобол" дошедшая до нашего времени только в мраморных копиях, оказала огромное влияние на развитие изобразительного искусства.
В вазописи возникло навое понимание пространства, постоянными элементами композиции становились многоплановость и глубинность. Наряду с краснофигурной техникой в V веке получают широкое распространение сосуды с белой сплошной обмазкой, на которую лаком наносился рисунок.
Высокая классика.
В третьей четверти V века до н.э. - в период высокой классики - разрушенные персами Афины заново отстраиваются общественными зданиями, жилыми домами, площади и улицы украшаются статуями, на акрополе на развалинах старого ансамбля храмов, ещё архаичного, воздвигается новый ансамбль, выражающий идеал полностью раскрепощённого эллинизма.
Архитектура и скульптура
Акрополь был в Элладе тем же, что Кремль в древнерусском зодчестве: городской твердыней, которая заключала в своих стенах храмы и другие общественные сооружения и служила убежищем для окрестного населения во время войны. Афинский Акрополь с его храмами Парфеноном и Эрехтейоном и зданиями Пропилей, величайшими памятниками греческого зодчества, - это, кроме прочего, ещё и памятник, провозглашающий веру человека в возможность всё примиряющей гармонии не в воображаемом, а во вполне реальном мире, веру в торжество красоты, в призвание человека создавать её и служить ей во имя добра.
Он был воздвигнут во славу Афины, покровительницы Афин, которые были центром её культа. Место, на котором воздвигнут ансамбль Акрополя, представляло собой крутой и обрывистый холм с плоской вершиной. В основе архитектурного замысла ансамбля лежала идея свободы и совершенной гармонии, ярчайшая индивидуальность частного, плавно включающаяся в единую гармонию целого.
Над крутым склоном священного холма архитектор Мнесикл воздвиг знаменитые беломраморные здания Пропилей с расположенными на разных уровнях дорическими портиками, связанными внутренней ионической колоннадой.
По ту сторону Пропилей вырастала гигантская бронзовая статуя Афины Промахос, Афины Воительницы, изваянная Фидием. Бесстрашная дочь громовержца олицетворяла здесь на площади Акропля, военное могущество и славу своего города.
Высшую точку развития греческой классики знаменует фриз-зоофор Парфенона, изображающий праздничное шествие в честь Афины и фигуры богов. В представленных на фризе людях нет двух одинаковых лиц или фигур, и всё же каждый персонаж - не портрет того или иного афинянина, а типизированный образ - идеал греческой красоты. Да и вся процессия в целом - не рассказ о конкретном событии, а обобщённое изображение празднества. Люди и смотрящие на них боги изображены одинаково прекрасными. Дух гражданственности позволял афинянам гордо утвержать эстетическое равенство человека и богов.
Акрополь, построенный во славу богов, не подавляет человека, всё в нем сопоставимо с человеком, который возвышается до божественно-героического уровня.
К началу второй половины V века до н.э. художественная жизнь протекала не только в Афинах, но и в других городах. Родом из Сикиона или Ароса происходил Поликтет, деятельность которого протекала в Аргосе. Его статуя юноши-копьеносца "Дорифор", воплощающаяся мужественный идеал доблестного гражданина-воина, полный чисто эллинского классического благородства, была воплощением разработанной им системы идеальных пропорций и закона симметрии, по которым должно строиться изображение человека.
Свои теории Поликтет изложил в трактате "Канон". Согласно его пропорциональной системе, голова должна составлять 1/7 всего роста, лицо и кисть руки - 1/10, ступни - 1/6. Его система вела к утверждению известной нормативности и приземистости изображаемых фигур с несколько тяжеловесными пропорциями.
Живопись
С развитием реализма в греческом искусстве дальнейшему развитию живописи проложили дорогу два достижения: открытие линейной перспективы и обогащение живописных приёмов светотенью.
Перспективные сокращения предметов по законам линейной перспективы стал применять Агафор - театральный художник. Таким приёмом он создавал иллюзию глубины пространства.
Искусство светотени открыл Апполодор Афинский, который за своё открытие получил прозвище "Скиаграф", то есть "тенеписец". С именем Апполодора связывают и рождение настоящей станковой живописной картины - он стал писать темперой на грунтованных досках.
Поздняя классика
Период поздней классики - это период постепенного разрушения старых идеалов, появления новых форм и образов в ответ на те политические и общественные коллизии, которые переживает Греция в это время. Трагические конфликты общественной действительности, вызвавшие более сложный взгляд на явления жизни, на человека, привели к изменению и в области искусства, которое стало приобретать противоречивый характер. В нём утрачивается вера в красоту жизни, ослабевает дух гражданственной героики.
Характер поздней классики определяется развитием реалистических тенденций. Главной задачей становится передача внутреннего мира человека, его эмоций во всём многообразии их проявлений. Возникает интерес ко всему особенному, неповторимому, индивидуальному. Развивая и углубляя достижения мастеров высокой классики, художники VI века до н.э. поставили проблему передачи противоречивых переживаний человека, показа героя, вступающего в тираническую борьбу с враждебными силами окружающего мира, раздираемого глубокими сомнениями. Зарождается интерес к быту и к характерным особенностям психологического склада человека.
Развитие архитектуры протекает неравномерно, Афины ещё долго продолжали оставаться центром культурной и художественной жизни, но государство уже не могло предпринимать строительство в прежних масштабах.
Самым кррупным строительством конца V века до н.э. было возведение Эрехтейона, храма Афины, Посейдона и Эрехтея в Акрополе. Он являет собой изящнейший шедевр ионического стиля. С трёх сторон храм имеет портики разной формы, в том числе знаменитый портик кор (кариатид) на южной стороне. Шесть стройных мраморных девушек в пеплосах - знаменитые кариатиды - выполняют роль колонн в его южном портике. Капители, покоящиеся у них на головах, напоминают корзины, в которой жрицы несли священные предметы культа.
Постройки этого века следовали принципам ордерной системы, но имели ряд характерных особенностей. В них приобретали большее значение декоративные начала, поэтому сравнительно часто использовался самый сложный и изысканный из греческих архитектурных стилей - коринфский. Появились новые композиционные приёмы, такие, например, как круглая форма сооружений. Заметно увлечение зодчих разными планами: квадратными, прямоугольными и круглыми. Чаще встречается совмещение различных ордеров. Появляются строения, в которых сочетаются черты восточной и греческой архитектуры.
Впервые уделяется большое внимание строительству зрелищных сооружений - театров, которые устраивались обычно под открытым небом. По склону холма вырубались места для зрителей - театрон, обрамлявший полукруглую орхестру - площадку, на которой выступал хор.
Творчеством трёх крупнейших мастеров-новаторов: Скопаса, Праксителя и Лисиппа определяется развитие скульптуры поздней классики.
Продолжая традиции высокой классики, Скопас создал свой особенный стиль. Пафос, взволнованность чувств характерны для его произведений. Его искусство несло противостояние и борьбу, трагический конфликт между личной судьбой и долгом, роком, общей закономерностью. Каждое его произведение решено своеобразно. Ставя фигуру в смелых и сложных поворотах, художник придаёт ей особую подвижность и выразительность.
Другие настроения выражал в своих произведениях Пракситель. У него доминируют покой, нега, мечтательная задумчивость, обнажённые богини, женственные юноши, противостоящий героическому началу мир образов Афродиты, Эрота, Сатира, Гермеса с младенцем Дионисием. Он создал новый идеал женской красоты, его образ прекрасной обнажённой богини освободился от торжественной величавости, свойственной женским изображениям предыдущего времени. И в то же время в нем нет чувственного любования телом, которое начнёт проступать в статуях Афродиты эпохи Эллинизма.
Лисипп был одним из самых замечательных портретистов античности. В своём искусстве он отходит от типизации, стремится к раскрытию в образе портретируемого его внутренней сущности. Лисиппу чужда была и идеализация образа.
10.Лучшие произведения эллинистического искусства создавались с конца IV века до н.э. до середины II века до н.э., в период расцвета эллинистических государств и возникновения рядя самостоятельных культурных центров.
Характер художественного творчества эпохи эллинизма резко изменился по сравнению с классическим периодом. На смену обобщённому образу героя-гражданина полиса приходят, с одной стороны, изображение обожествлённой и героизированной личности монарха, а с другой - индивидуализированный образ личности, либо находящейся в трагическом конфликте с окружающей средой, либо эгоистической, любыми средствами добивающейся своей цели, либо образ с преувеличенным героическим началом. Возникает интерес к социальным мотивам, лирически-интимным и будничным аспектам индивидуальности.
Развитие частной жизни, распространение роскоши в быту знати вызвали подъём жилищной архитектуры. Дома, имеющие в центре двор с перистилем, увеличиваются в размерах, украшаются мозаикой, росписями, скульптурой.
Целый ряд архитекторов пишут трактаты, излагая основы строительной науки и сведения по теории архитектуры. Важное место в этих трактатах уделяется архитектурным стилям. В эллинистической архитектуре делается попытка установить известные каноны, наиболее удачные пропорции ордеров и их отдельных частей. Наметились тенденции к смешению различных ордеров и их элементов в одном здании, усложнялись планы сооружений. В архитектуре восточных районов наряду с ордерной системой использовались иногда арки и своды.
Зодчие эллинизма не создали архитектурных образов, по глубине подобных Парфенону, но превзошли классических мастеров в создании огромных строительных комплексов. В формах архитектуры нашло яркое выражение эллинское чувство безграничных просторов. В грандиозных ансамблях и величественных высотных сооружениях эллинизма находили отражение чувства, вырвавшиеся из тесных рамок полисной уравновешенности в бурный, дисгармоничный мир огромных монархий.
Ещё одной особенностью эллинистической архитектуры было звучание новой темы - напряжения - в художественной компоновке зданий эллинистических акрополей, особенно заметной после величаво спокойных классических ансамблей.
Мозаика
В связи с расцветом архитектуры в эпоху эллинизма широкое распространение получили фрески и мозаики, которыми украшали дома и общественные здания. Мозаика украшала часто не только стены, но и полы. В живописи и мозаиках эллинистические мастера предпочитали необычные, возбуждающие, тревожащие сюжеты и темы.
В скульптуре нашли продолжение и развитие те тенденции, которые проявились уже в работах поздней классики. Однако тема образов Праксителя приобрела в эллинизме характер подчёркнутой чувственности, а пафос образов Скопаса отозвался в повышенной драматичности многих эллинистических изваяний. Но и те и другие пронизывала особенная, выраженная ещё Лисиппом, напряжённая пульсация динамического ритма эпохи.
В эллинистическом искусстве скульпторы научились передавать самые свободные движения, но целью этого мастерства является - произвести как можно более сильное впечатление на зрителей, поэтому все средства выражения усиливаются, и уже нет сдержанности, присущей высокой классике. Таков фриз алтаря, воздвигнутом на Пергамсом Акрополе. Его грандиозные образы призваны потрясти человека, заставить его почувствовать свою слабость перед высшими силами.