Термином «Ар Нуво» или «модерн» обозначают элегантный, многожанровый стиль, процветавший с начала 1880-х годов вплоть до первой мировой войны. Его рождение ознаменовало наступление века великих перемен в искусстве, когда в жизни уже прочно утвердился век машин, и полным ходом шла промышленная революция. Мир стремительно развивался, однако в области искусства эти изменения происходили гораздо медленнее. Появление влиятельного среднего класса привело к росту спроса на изящные вещи, машинный век был способен насытить этот спрос товарами массового производства; однако тиражирование красоты привело к неразборчивости и безвкусице.
Неудовлетворенные окружающей жизнью и ситуацией в искусстве, когда уже не приходилось говорить о существовании единого направления, зачинатели нового движения ставили перед собой задачу создания большого стиля. Созданный стиль заключал в себе вполне отчетливую программу всеобщих эстетических преобразований, которая может быть представлена как идея сотворения прекрасного.
Новый стиль возник почти одновременно во многих европейских странах и получил разные названия. Чаще всего употреблялись термины "модерн" (современный) и "Ар Нуво" (в переводе с французского "l'art nouveau" буквально "новое искусство"). Также германия – югендстиль, Австрия – венский сецессион.
Стилистической особенностью модерна стал отказ от прямых линий и углов в пользу более естественного плавного движения изогнутых линий. Модерн базировался на орнаментальной волнистости линий природных форм растительного и животного мира. Фирменным знаком линии Модерна стала знаменитая вышивка Германа Обриста «Удар бича» на портьере 1895 г.
Другой особенность нового стиля стало стремление архитекторов и художников создать единый синтетический стиль, в котором все элементы архитектурного объекта, убранства его интерьеров были бы связаны в единое художественное целое. У истоков концепции эстетического синтеза - ключевого понятий нового стиля - стоял Уильям Моррис (1834-1896). Он открыл миру художественные и философские трактаты искусствоведа Джона Рескина, который, опираясь на эстетический принцип единства Красоты и Добра, утверждал, что предметное окружение общества свидетельствует о его моральном состоянии.
Принцип художественного единства всех элементов предметно-пространственной среды придавал каждому проекту в стиле модерн поразительную целостность и художественную завершенность. Модерн был не только новым стилем - он был новым мировоззрением, синтезировавшим все виды искусства и ценившим ремесленника и архитектора также высоко, как художника и скульптора.
Источник идей для художников модерна была природа. Наиболее распространенной темой стали бутон (символ появления новой жизни) и экзотические растения с длинными стеблями и бледными цветками. Предпочтение отдавалось лилиям, кувшинка, ирисам и орхидеям. В большой моде были образы женщин с неимоверно длинными, струящимися волосами. Прекрасно поддавались стилизации яркие и грациозные насекомые и птицы - стрекозы и бабочки, павлины и ласточки. Природная декоративность модерна способствовала его применению в разных жанрах. В период наивысшей популярностью он использовался для украшения практически каждого мыслимого предмета потребления ручной работы и массового тиража.
Яркими примерам дизайна в стиле модерн являются интерьерные работы бельгийцев Виктора Орта и Генри Ван де Вельде, интерьеры и мебель фантастических домов испанца Антонио Гауди, оформление интерьеров в особняках архитектора Ф.О.Шехтеля; решетки парижского метро и мебель Гектора Гимара; витражи работы Луис Комфорта Тиффани. Ведущим художником в области французской рекламы стал Альфонс Муха.
На ином принципе строили поиск мастера "школы Глазго", возглавляемой Макинтошем и представители "Венского Сецессиона". Они создавали более сдержанную разновидность модерна. Стилевое своеобразие, которое школа Глазго принесла в модерн, характеризовалось чистой геометрией форм в сочетании с криволинейностью поверхностных декоративных элементов.
Чистая геометричность стиля Глазго оказала решающее значение на развитие модерна в Австрии и Германии.
Гюстав Климт родился в семье художника-гравера и ювелира. Учился у отца, а в 1875–1883 – в школе ремесел при венском Австрийском художественно-промышленном музее. По окончании учебы работал с братом Эрнстом и художником Ф.Матчем, украшая декоративной живописью театры австро-венгерской. С 1885 они оформляли и венские здания. Со смертью брата Эрнста коллектив распался. Все более вовлекаясь в стихию модерна и, соответственно, в оппозицию к академической традиции, Климт стал в 1897 одним из основателей независимого от Академии художеств Венского сецессиона (нем. Sezession – «отпадение», «отделение») и первым его президентом. Созданные по его инициативе «Венские мастерские» (1903) сыграли важную роль в стилистическом обновлении австрийского дизайна. Для выставочного здания Сецессиона Климт создал Бетховенский фриз (1901–1902), воплощающий темы Девятой симфонии. Как художник-станковист Климт вошел в историю, в первую очередь своими остроэкспрессивными женскими портретами и символическими картинами, насыщенными драматическим, «роковым» эротизмом («Юдифь 1», «Поцелуй», «Даная»). Вначале усиливал эту «дионисийскую» драматику золотыми фонами, затем крупными цветовыми узорами, из мерцающей стихии которых – словно из стихии пола – как бы нарождались млеющие фигуры. Был также мастером орнаментально-красочных пейзажей (Парк). Последней его крупной монументальной работой явилось оформление дворца Стокле в Брюсселе (1911). Выйдя в 1906 из Сецессиона, основал новый Союз австрийских художников, поддерживая на его выставках художников-новаторов. Лишь к 1917 году завоевал и полное официальное признание, став почетным профессором Венской и Мюнхенской академий. Умер Климт в Вене 6 февраля 1918.
49. Фовизм Анри Матисс (от фр. fauve — дикий) — направление во французской живописи и музыке конца XIX — начала XX века. На парижской выставке 1905 года были продемонстрированы полотна художников, оставлявшие у зрителя ощущение исходящих от картин энергии и страсти, один из французских критиков назвал этих живописцев дикими зверями. Так случайное высказывание вошло и закрепилось как название за всем течением. Художественной манере фовистов были свойственны стихийная динамичность мазка, стремление к эмоциональной силе художественного выражения, яркий колорит, пронзительная чистота и резкие контрасты цвета, интенсивность открытого локального цвета, острота ритма. Фовизм выразился в резком обобщении пространства, рисунка, объема. Характеризуется предельно интенсивным звучанием открытых цветов, сопоставлением контрастных хроматических плоскостей, сведением формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы. Группа заявила о себе на парижских выставках 1905—1907 гг., однако вскоре объединение распалось, и творческие пути участников разошлись. Название направления отражает реакцию современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок.
Фовизм в живописи
Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы. Как направление просуществовало недолго — примерно с 1898 по 1908 год.
Вдохновителями фовистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет цвету мягкому и натуральному, свойственному импрессионистам.
Главой этой школы считается Матисс, который свершил полный разрыв с оптическим цветом. На его картине женский нос вполне мог быть зеленого цвета, если это придавало ей выразительности и композиции. Матисс утверждал: «Я рисую не женщин; я рисую картины».
Анри Матисс(1869 г. —1954 г.)
Выдающийся французский художник и скульптор, лидер течения фовистов. Известен своими изысканиями в передаче эмоций через цвет и форму. Родился в 1869 г. в Ле-Като в семье торговца зерном и красками на севере Франции. Первые опыты в живописи относятся к 1890 г.; в 1892 г. Матисс учится в Париже в Академии Жюлиана; в 1893-1898 г. работает в мастерской Г. Моро в Школе изящных искусств.
Становление художника.
1901-1904 — годы интенсивных творческих поисков, начало усиленных занятий скульптурой. Сам Матисс считал впоследствии, что в новой манере он начал работать в 1898 г. Постепенно он освобождается от «музейных» впечатлений, палитра его светлеет; появляется техника импрессионистического дробного мазка. Матисс знакомится с творчеством А. Майоля, художниками группы «Наби», увлекается искусством Поля Гогена, Поля Сезанна. Первая персональная выставка состоялась в 1904 г. у А. Воллара. Довольно скоро Матисс отказался от использования техники пуантелизма в пользу широких, энергичных штрихов.
Фовизм.
Когда в 1905 г. он выставил свои работы в парижском «Осеннем салоне» вместе с другими художниками, Резкие, энергичные краски буквально потрясли публику, и один из критиков дал художникам ироничное прозвище «дикие». Произведения эти, произведшие скандальный фурор, положили начало фовизму. В это время Матисс открывает для себя скульптуру народов Африки, начинает ее коллекционировать, интересуется классической японской ксилографией и арабским декоративным искусством. Появляются первые литографии, гравюры на дереве, керамика; продолжает совершенствоваться рисунок, выполненный пером, карандашом и углем.