Выставка 1910 г. Старались преодолеть стилистику «Мира ис-ва». Выделить предметность. Возвращение живописи здоровых красок. Возрождают национальную тему в ис-ве. Переживание эмоционально-чувственное. Фольклор, гуляния – городской фольклор, вывески. В портретах яркие краски. Отход от женственности в портрете.
- характерны живописно-пластического искания в духе творчества П. Сезанна, фовизма и кубизма, а также обращение к приёмам русского лубка и народной игрушки.
Ограничив сферу деятельности главным образом жанрами натюрморта, пейзажа и портрета, утверждая идею «самоценности» живописи, художники «Б. в.» разрешали формальные проблемы передачи объёма на плоскости и построения формы цветом, стремились к выявлению изначальной материальности и «вещности» натуры.
Прежде всего, поиск новых живописных форм. Академические каноны, принципы передвижников, объединений "Мир искусства", "Голубая роза" не устраивали деятелей "Бубнового валета". Самим названием художники бросали вызов поклонникам старого искусства. Они стремились освободить живопись от литературности, вернуть только ей присущие средства: цвет, линию, пластину, красоту поверхности красочного слоя. Первым к этому пришел Сезанн Поль, который стал кумиром "бубновых валетов". Впоследствии их называли "московскими сезаннистами". Но, особенно важно, что своеобразие московской школы касалось и глубоко содержательных тенденций ее искусства. В этом смысле преобладала национальная тема: мотивы городской повседневности, интонации праздника, ярмарки. Особый интерес вызывали крестьянская или городская игрушка, лубок и другие формы примитивного искусства, столь развитого в России. Использовался также опыт народных мастеров; расписывающих подносы или делавших вывески. Интерес к предмету, объему, вылепленному цветом, сделал натюрморт наиболее популярным жанром в творчестве "бубновых валетов". Пейзажи и портреты были близки к натюрморту, из них уходила взаимосвязь между деталями. Каждая вещь вела свое особое существование. Таким образом, произошла натюрмортизация всех жанров. Даже человеческой фигуре придавалась неподвижность мертвой вещи.
«Бубновый валет» — творческое объединение 1910-х годов, включавшее преимущественно московских живописцев. Ведёт начало от одноимённой выставки, организованной в 1910 году. В него входили следующие художники: П.П. Кончаловский, Н.Е. Кузнецов, А.В. Куприн, А.В. Лентулов, С.И. Лобанов, И.И. Машков, А.А. Осмеркин, В.В. Рождественский, Р.Р. Фальк, А.А. Экстер, М.А. Фейгин и др.
В 1912 году откололся ряд художников, тяготевших к примитивизму, кубофутуризму и абстракционизму (В. Д. и Д. Д. Бурлюки, Н.С.Гончарова, М. Ф. Ларионов, К. С. Малевич и др), организовавших выставку под названием Ослиный хвост.
В 1916 году «Бубновый валет» покинули П. П. Кончаловский и И. И. Машков
Объединение распалось в 1917 году.
По инициативе бывших членов «Бубнового валета» в 1925 году возникло объединение «Московские живописцы», в дальнейшем преобразованное в «Общество московских художников» (ОМХ).
Название «Бубновый валет» предложил М. Ларионов – балет, молодость, бубны, цвет, игра, балаган, низкопробные развлечения.
3 названия:
1. Авангард – разрушитель традиций. Первое авангардное течение в России.
2. примитивизм – опора на городской примитив (подносы, вывески, русский лубок, городской праздник, балаган, народное гуляние) переживания народной стихии, а не настальгия.
3. русские Сезанисты – традиции Сезанна (застылость предметов, окаменелость, единая живописная материя, материальность, проблема живописного делания – большие работы.
• Художники «Бубнового валета» отрицали традиции как академизма, так и реализма XIX века.
• Характерны деформация и обобщение форм
• Для художников очень важна сама кухня – живописная работа – могучая, насыщенная колоритом.
• Для художественной манеры бубнововалетовцев характерно соединение кубизма, фовизма и традиций русского народного творчества, прежде всего — лубка, выразившегося в передаче объемности форм на плоскости с помощью цвета.
• Театрализация и живописи и стиля (самопрезентация на выставках – ярмарочная, грубая; выставки – вызов мещанским вкусам). Члены «Бубнового валета» надолго стали персонажами светской и бульварной хроники. Когда в Политехническом музее проводились диспуты о новом искусстве с участием бубнововалетовцев, количество желающих попасть на них было столь велико, что требовались усиленные наряды конной полиции для наведения порядка.
Жанровая структура творчества
Члены «Бубнового валета» считали, что картины предназначаются не для тонких ценителей и критиков, а для всех. Поэтому преобладающими жанрами в их творчестве являлись натюрморты, простые, как вывески в продуктовых лавках, а также портреты, пейзажи, народные картинки. Все это — в противовес академическим жанрам: историческим полотнам, разным аллегорическим и литературным сюжетам, а также произведениям на социальные темы.
Портреты: снижали образные характеристики модели, преувеличили и обостряли внешнее сходство, полное отсутствие идеализации, портреты похожи на ярмарочные фотографии, глаза – в объектив, преобладание мужского начала, портрет как натюрморт. И. Машков Автопортрет и портрет Петра Канчаловского, Лентулов Автопортрет, Машков Автопортрет.
Натюрморты: важна плоть вещей, краска, радующая глаз, обилие тех или иных предметов, монолитность, колористическая звонкость, смысловые возможности их не интересовали. Канчаловский Натюрморт в мастерской.
Жанр Ню: обнажение ради обнажения, исключительно живописно – пластические задачи, обнаженная натура – эксперимент. Машков Натурщицы в мастерской.
Жанр городского пейзажа – у всех разный.
Основные художники:
Пётр Петро́вич Кончало́вский (1876 - 1956) В живописи был сезаннистом и вообще испытывал сильное влечение к Европе, прекрасно говорил по-французски. Также испытал влияние своего тестя, В. И. Сурикова, с которым впервые выезжал на этюды в Испанию, позже они работали по всей Европе. В раннем периоде художник стремился выразить праздничность цвета, свойственную русскому народному творчеству при помощи конструктивности цвета Поля Сезанна. Известен стал благодаря своим натюрмортам, часто исполненным в стиле, близком аналитическому кубизму и фовизму. Развитие темы застылости. Плюс театральные работы, книжные иллюстрации.
Илья́ Ива́нович Машко́в (1881 —1944) Стихийная радость от работы, часто тюбиковая краска, ярмарочная фотография, подход к человеку как к натюрморту, натюрморт – оконтуривание черным, пейзаж – гипербола, красочная ясность, крупные размеры, сочность. В конце 1900-х ‒ 1910-е годы испытал влияние П. Сезанна и кубизма, обращался к традициям лубка; работы этих лет (натюрморты, пейзажи, портреты) отличаются нарочитой деформацией натуры и вместе с тем чувственной конкретностью образа, грубоватой экспрессией контурного рисунка, сочной, пастозной манерой письма («Фрукты на блюде», 1910; «Камелия», 1913; портрет Н. М. Усовой, 1915; все ‒ в Третьяковской галерее). Отойдя от принципов «Бубнового валета», с начала 20-х годов М. стремился к большей жизненной достоверности изображаемого, к более непосредственному воплощению материальной насыщенности мира, чувства полноты бытия («Снедь московская: мясо, дичь», 1924; «ЗАГЭС», 1927; «Натюрморт. Ананасы и бананы», 1938;
Аристарх Васильевич Лентулов (16 января 1882 — 15 января 1943) Не натюрмортный подход, проблема цветности – близок Врубелю, калейдоскоп, живопись музыкальна, футуризм – мощное звучание национальной темы. Испытывая в 1910-е гг. воздействие кубизма, футуризма и орфизма, Л. вместе с тем стремился придать своим образам отчётливый национальный характер, обращаясь к мотивам допетровского зодчества, осмысляя традиции иконописи и лубка («Василий Блаженный», 1913; «Звон», 1915; «У Иверской», 1916;). С начала 20-х гг. в творчестве Л. происходит поворот к непосредственно-реалистическому восприятию мира. В 20—30-е гг. Л. создаёт индустриальные пейзажи, портреты, натюрморты. Пронизанные ощущением полноты бытия, они ближе к натуре, жизненным прообразам («Крекинг нефтеперегонного завода», 1931; «Овощи», 1933;). Л. выступал также как театральный художник (оформление спектакля «Испанский священник» Ф. Бомонта и Дж. Флетчера, 1934,).
Ро́берт Рафаи́лович Фа́льк (1886 —1958) Наиболее мечтательный, спокойный, оттенки цветов. Натюрморты, портреты, пейзажи ("Картошка", 1955; "Автопортрет в красной феске", 1957) отличаются тонко разработанной цветопластической формой.
Вывод: живопись ради живописи – профессионализм, полнота, восприятие жизни, радость творчества, расширили жанровые границы (портрет, натюрморт, жанр Ню), в поздних портретах и пейзажах – более спокойный, станковый подход.
5. Символизм в русском изобразительном искусстве рубежа XIX-XX вв. Объединение «Голубая роза».
- худ-ки – выходцы из Саратова.
- зыбкие, ускользающие, мистические образы
- любовь к оттенкам
- мерцающие фактуры.
Сапунов Николай (1880 – 1912). Выполнял декорации к спектаклям Большого театра по эскизам К. Коровина, позже работал для театра самостоятельно. Участвовал в выставке объединения "Алая роза" (1904). Один из основателей общества "Голубая роза" (1907). Представитель так называемой второй волны русского символизма. Голубой цвет как образ связан у символистов с понятием духовного и преобладает в колорите их картин. Так и в палитре Сапунова основные цвета - голубой и синий. Творчество его отмечено ретроспективным оттенком - он пишет отмеченные ностальгическим чувством галантные празднества, натюрморты со старинным фарфором и цветами.
Судейкин, Сергей Юрьевич (1882–1946), русский художник, представитель символизма, один из виднейших мастеров круга «Голубой розы». Родился в Петербурге 7 (19) марта 1882 в семье жандармского полковника Г.П.Судейкина, убитого через год народовольцами. Занимался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1897–1909); в 1902 был отчислен на один год за показ на студенческой выставке работ «непристойного содержания». В 1909 поступил в петербургскую Академию художеств, где учился в мастерской Д.Н.Кардовского (до 1911). Был одним из организаторов выставки «Голубая роза» (1907), а также одним из членов-учредителей возрожденного «Мира искусства» (1910). Помещал графику в журналах «Весы», «Аполлон», «Сатирикон» и «Новый Сатирикон». Жил в Петербурге, часто наезжал в Москву.
В отличие от большинства других «голуборозовцев», Судейкин (не без влияния своего друга К.А.Сомова) исповедовал некий «иронический символизм», превращая свои картины в живописные лубки на темы искусства, фольклора либо «прекрасной старины» (Гулянье, 1906, Третьяковская галерея; В парке, 1907; Балет, 1910; обе работы – в Русском музее; серия собственно лубков Масленичные герои, середина 1910-х годов). Эти красочные, почти что кукольные мини-спектакли с подчеркнуто «ненастоящими» фигурками и антуражем стали связующим звеном между его живописью и сценографией. Активно работал в театре, начиная с оперной антрепризы С.И.Мамонтова в московском «Эрмитаже» (конец 1890-х годов). Оформил совместно с Н.Н.Сапуновым «Смерть Тентажиля» М.Метерлинка в постановке В.Э.Мейерхольда. Сотрудничал также с театрами: В.Ф.Комиссаржевской, Новым Драматическим, Малым и Камерным. В 1912–1913 принял участие в «Русских сезонах» С.П.Дягилева. Выступал и как иллюстратор, в частности, книг особенно творчески-близкого ему М.А.Кузмина (Куранты любви, 1912; и др.). В 1911 стал одним из устроителей и декораторов артистического кабаре «Бродячая собака».В 1917 уехал в Крым, а затем – в Тифлис (1919), где также оформлял литературные кафе («Химериони» и «Ладья аргонавтов»). В 1920 переехал из Батума в Марсель. Был сценографом кабаре «Летучая мышь» Н.Ф.Балиева в Париже. Вместе с этой труппой прибыл на гастроли в США (1922) и обосновался в Нью-Йорке. Участвовал как художник во многих спектаклях (постановки театра «Метрополитен-опера», Л.Ф.Мясина, М.М.Фокина, Дж.Баланчина и т.д.), плодотворно развивая традиции «живописного театра» модерна. Постоянно показывал на выставках и новые станковые вещи.
Кузнецов Павел Варфоломеевич (1878) Родился в Саратове в 1878 г. Умер в Москве в 1968 г. Воспитанник рисовального училища при Радищевском музее в Саратове, основанном А.Н. Боголюбовым, Кузнецов приехал в Москву для продолжения художественного образования. Он учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у К.А. Коровина и В.А. Серова. В 1905 г. совершил путешествие в Париж. В 1907 году Кузнецов явился одним из организаторов выставки и объединения художников - символистов “Голубая Роза”. Заволжские степи – мир, знакомый художнику с детства, в его картинах предстает как идеальный мир, где в гармонии слились природа, животные, люди. Изысканные цвета живописи, индивидуальная манера рисунка, фресковая монументальность образов сделали манеру Кузнецова узнаваемой. После революции художник обращался к новым, актуальным для эпохи образам, не изменяя своей манере, выработанной в 1910-е годы. Кузнецов входил в объединения Союз русских художников и «Четыре искусства».
- часто фонтан как древо жизни
- выражает созерцательное состояние
- идиллическая линия Венецианова, но рассматривает не быт, а бытие
- бытовой жанр бессобытийный
- соотношение земли и неба – 2/3
- легкость мазка
- люди делают важные для существования мира дела
Сарьян.
- орнаментализм
- яркие контрастные цвета
- игра холодных тонов
- изображения Востока
- сказочность
- мифологизация работ
- центральный символ – древо жизни.
Творчество П. Кузнецова:
- влияние творчества Борисова-Мусатова
- тенденция от импрессионизма к символизму
- изображение не столько впечатления зримого мира, сколько состояние души
- работал на плэнере
- Плоть зримого мира тает в его картинах, его живописные видения почти ирреальны, сотканы из образов-теней, обозначающих едва уловимые движения души.
- Излюбленный кузнецовский мотив – фонтан - тема вечного круговорота жизни.
- Кузнецов отдает предпочтение темпере, но использует ее декоративные возможности весьма своеобразно, как бы с оглядкой на приемы импрессионизма. Легкость мазка
- с одной стороны пишет бытовые картины, но в них есть некая созерцательность, тема вселенского
- пишет не быт, а бытие
- монументальное, торжественное настроение
- бытовой жанр бессобытийный
- соотношение земли и неба – 2/3
- люди делают важные для существования мира дела
Творчество М.С. Сарьяна:
- Часто работал цветной тушью, акварелью, гуашью и темперой, создавая ирреальные и зыбкие красочные феерии.
- На изобразительную манеру Сарьяна оказало влияние творчество П. Гогена и А. Матисса, проявившееся в ярком локальном цвете его полотен и обостренном линейном ритме.
- Впечатления Средиземноморья и Востока слагаются - отчасти под воздействием французского фовизма - в более плотные цветовые гаммы и четкие силуэты, теснее связанные с конкретной натурой, однако мастер сохраняет верность поэтике легенды и притчи.
- национально-романтичный характер: "сны о Востоке" превращаются в "сны об Армении". Своеобразным манифестом этого обращения к Закавказью как главному источнику вдохновения
- в 1960-е годы цикл "сказочных" пейзажей с фольклорно-мифологическими мотивами
- фиксация мгновения
- яркий колорит, метод обощения, декоративизм, орнаментализм
- идеи вечности и бессмертия духа
- сказочность, мифологизация работ
- центральный символ – древо жизни.
Творчество Н.Н. Сапунова:
- Уже в ранних, импрессионистических вещах Сапунова проявился его талант колориста, буквально живущего цветом. Предпочитал обычно темперу. Помимо пейзажей, охотно писал декоративные натюрморты, как бы символизирующие – в мотивах цветов и старинного фарфора – красоту как таковую
- затем главное место в его живописи занял образ «мира-театра»
- Разработал особый тип «картины о спектакле», живописного действа, обнажающего иллюзорность искусства как пестрой и хрупкой оболочки зловещего хаоса
- также использовал темы праздников и народных гуляний, каруселей, маскарадов
- Его театральные работы красочны, декоративны, художник превращал сцену в оживающую нарядную и сочную живопись
Творчество С.Ю. Судейкина:
- Во многом от сомовских "маркиз" отталкивался Судейкин в своих работах, также воспроизводивших пасторальные сцены галантной эпохи.
- Романтический сюжет нередко получал у него наивную, примитивно-лубочную трактовку, содержал элементы пародии, гротеска, театрализации.
- Его натюрморты также напоминают театральное действо, сценическую площадку. Тема театра не раз возникала в его живописи. Судейкин изображал балет и кукольный театр, итальянскую комедию и русское масленичное гулянье
- Именно театрально-декорационное искусство стало главным делом художника